Chi sei e di cosa ti occupi?

Mi chiamo Salvatore Rinaldi, sono un fotografo professionista e titolare di Rinaldi Studio Fotografico, nella provincia di Napoli.

Mi occupo principalmente di fotografia di cerimonia ed eventi, ma la fotografia per me non si esaurisce nel lavoro. Accanto alla fotografia professionale porto avanti una ricerca più personale e autoriale, attraverso progetti che nascono dall'osservazione della realtà, delle persone e del territorio.

È proprio questa doppia dimensione, professionale e autoriale, che oggi rappresenta maggiormente il mio modo di vivere la fotografia.

Qual è stato il tuo percorso formativo e artistico?

La mia formazione nasce in ambito artistico. Ho frequentato l'Istituto Statale d'Arte Umberto Boccioni di Napoli, conseguendo il diploma di Maestro d'Arte, con una formazione legata alla grafica e alla comunicazione visiva.

Parallelamente alla formazione scolastica, il mio percorso fotografico è stato in gran parte autodidatta. Ho sempre sentito la necessità di sperimentare, osservare e imparare direttamente attraverso la pratica.

Non ho avuto un unico maestro che abbia determinato il mio percorso. La mia formazione è stata piuttosto un continuo accumulo di immagini, esperienze, errori e sperimentazioni.

Nel corso degli anni la fotografia professionale mi ha portato a lavorare soprattutto nel settore degli eventi e delle cerimonie, mentre parallelamente ho cercato di costruire una fotografia più personale, nella quale poter raccontare ciò che sento e ciò che osservo.

Come e quando è nata la passione per la fotografia?

La fotografia è entrata nella mia vita molto presto, quando avevo circa dieci anni. Fu mia madre a regalarmi la mia prima macchina fotografica, una Yashica a pellicola.

All'epoca non potevo sapere che quel regalo avrebbe avuto un peso così importante nella mia vita. Ricordo soprattutto la curiosità: fotografare significava fermare qualcosa che altrimenti sarebbe scomparso.

Con il tempo ho capito che non mi interessava soltanto fare fotografie, ma capire cosa ci fosse dietro un'immagine. È stato un percorso graduale, fatto di tentativi, pellicola, errori, osservazione e studio.

Credo che la fotografia sia diventata davvero la mia strada quando ho smesso di considerarla soltanto una tecnica e ho iniziato a considerarla un modo per guardare il mondo.

Come descriveresti il tuo stile fotografico?

Non amo definire il mio stile attraverso un'unica etichetta.

La mia fotografia nasce soprattutto dall'osservazione delle persone e dei luoghi. Mi interessa raccontare ciò che c'è dietro l'apparenza: le emozioni, le fragilità, le contraddizioni, le tracce che le persone lasciano negli spazi che abitano.

Nel lavoro professionale cerco di restituire un ricordo, ma nella fotografia autoriale cerco qualcosa di diverso: una fotografia che possa porre una domanda, creare una sensazione o lasciare una traccia nello spettatore.

Anche per questo il bianco e nero, la pellicola e una certa ricerca di essenzialità continuano ad avere per me un valore importante.

Quali fotografi hanno influenzato il tuo stile fotografico?

Non credo di poter indicare un solo fotografo come riferimento assoluto. Nel corso degli anni sono stato influenzato da linguaggi fotografici differenti e soprattutto dalla fotografia documentaria e da quella più introspettiva.

Più che cercare di imitare un autore, ho sempre cercato di capire perché una determinata fotografia funzionasse: la composizione, la luce, il momento, la distanza dal soggetto e soprattutto ciò che quell'immagine riusciva a comunicare.

Credo che le influenze più importanti siano quelle che, a un certo punto, smetti di riconoscere direttamente nelle tue fotografie perché sono diventate parte del tuo modo di guardare.

Qual è stato il tuo primo progetto fotografico?

Il mio primo approccio alla fotografia progettuale è nato dalla necessità di andare oltre la singola immagine.

Per molto tempo ho fotografato seguendo l'istinto, senza pensare necessariamente a una serie o a un progetto. A un certo punto ho iniziato invece a chiedermi cosa potesse accadere mettendo insieme fotografie legate da un'idea comune.

È stato un passaggio importante: ho iniziato a comprendere che un progetto non è semplicemente una raccolta di belle fotografie, ma deve avere una direzione, una coerenza e soprattutto qualcosa da dire.

Qual è il progetto di cui vai più fiero?

Tra i progetti a cui sono più legato c'è Soglia.

È un progetto nato dalla volontà di affrontare il tema della violenza sulle donne non attraverso una rappresentazione esplicita della violenza, ma attraverso ciò che rimane prima, durante e dopo: la paura, il silenzio, la solitudine, la fragilità e quella linea invisibile che separa una condizione dall'altra.

Il titolo stesso, Soglia, rappresenta questo passaggio.

È un lavoro a cui tengo particolarmente perché mi ha costretto a confrontarmi non soltanto con la fotografia, ma anche con la responsabilità di raccontare un tema così delicato.

Un altro progetto a cui sono profondamente legato è Terra Nera, dedicato al territorio di Acerra. È una ricerca sul rapporto tra territorio, memoria e trasformazione, e nasce dal bisogno di raccontare un luogo che conosco e che appartiene alla mia storia.

Digitale o analogico: qual è il tuo rapporto con questi due linguaggi?

Non li considero due mondi contrapposti.

Il digitale mi permette velocità, controllo, possibilità tecniche e una grande libertà nel lavoro professionale. È uno strumento straordinario e oggi sarebbe impossibile ignorarne le possibilità.

La pellicola, invece, mi impone un rapporto diverso con la fotografia. Fotografare significa scegliere. Hai un numero limitato di fotogrammi, devi aspettare, osservare e assumerti la responsabilità di ogni scatto.

Continuo quindi a utilizzare entrambi i linguaggi. Possiedo e utilizzo ancora macchine analogiche, tra cui Nikon e Hasselblad, e lavoro quotidianamente con sistemi digitali.

Per me non è una questione di quale tecnologia sia migliore. La domanda è sempre: quale strumento è più adatto a ciò che voglio raccontare?

L'era del digitale e l'abbandono dell'analogico hanno cambiato la fotografia? 

Sicuramente il digitale ha cambiato profondamente il modo di fotografare.

Ha reso la fotografia immediata, accessibile e tecnicamente molto più semplice. Oggi possiamo realizzare centinaia di immagini in pochi minuti e verificarle immediatamente.

Ma proprio questa possibilità, secondo me, ha fatto perdere una parte della ritualità della fotografia.

Con la pellicola c'era un rapporto fisico con l'immagine: caricavi il rullino, fotografavi, aspettavi lo sviluppo e soltanto dopo scoprivi il risultato.

Non credo però che il digitale abbia impoverito la fotografia in sé. Ha semplicemente cambiato il contesto.

Quello che rischiamo di perdere non è la pellicola, ma la capacità di aspettare.

Oggi tutti scattano, ma quando si diventa davvero fotografi? 

Secondo me non si diventa fotografi semplicemente acquistando una macchina fotografica, così come non si diventa musicisti acquistando uno strumento.

La macchina fotografica è soltanto uno strumento. Il fotografo nasce quando comincia a sviluppare uno sguardo proprio.

Per me diventare fotografi significa imparare a osservare prima ancora che a scattare. Significa capire perché si sta facendo una fotografia e cosa si vuole comunicare attraverso di essa.

E una buona fotografia non è necessariamente quella tecnicamente perfetta.

Può essere sfocata, imperfetta, rumorosa, persino sbagliata secondo i criteri tradizionali. Ma se riesce a comunicare qualcosa, se riesce a fermare lo sguardo di chi la osserva e soprattutto se continua a lavorare nella mente dello spettatore anche dopo che ha smesso di guardarla, allora quella fotografia ha raggiunto il suo obiettivo.

La fotografia, per me, non deve soltanto mostrare qualcosa. Deve riuscire a farci sentire qualcosa.

Un consiglio ai giovani fotografi:

Il consiglio che darei a un giovane fotografo è di non avere fretta di definirsi fotografo.

Oggi abbiamo a disposizione strumenti straordinari, ma avere una macchina fotografica e conoscere la tecnica non significa avere qualcosa da raccontare.

Bisogna fotografare molto, ma soprattutto bisogna guardare molto. Studiare la storia della fotografia, osservare il lavoro degli altri, leggere, visitare mostre, stampare le proprie fotografie e imparare anche dai propri errori.

E soprattutto bisogna cercare la propria voce.

Non cercate di fare fotografie che piacciano agli altri. Cercate di capire che cosa avete voi da dire attraverso la fotografia.

Perché alla fine la tecnica può essere imparata, l'attrezzatura può essere acquistata e le mode possono cambiare.

Lo sguardo, invece, è ciò che rende una fotografia veramente vostra.

Chi sei e di cosa ti occupi?

Mi chiamo Michel Engelen. Nella vita di tutti i giorni lavoro nella manutenzione industriale e nelle soluzioni software. Quando quel mondo si placa, divento un fotografo.

Qual è il tuo percorso formativo e artistico? 

Non ho mai ricevuto una formazione artistica formale. La maggior parte dei miei studi ha riguardato le scienze. Tuttavia, l'istruzione non si ferma mai davvero: ho letto molto, collaborato con altri fotografi, frequentato workshop e trascorso innumerevoli ore a sperimentare tecniche e approcci diversi. Gran parte della mia formazione artistica è avvenuta dietro la fotocamera.

Come e quando è nata la tua passione per la fotografia? 

Probabilmente non quando ho comprato la mia prima fotocamera. La mia passione è iniziata davvero quando mi sono reso conto che certe immagini che avevo creato mi facevano provare qualcosa. A un certo punto, la fotografia è diventata quasi un'ossessione: lavoravo così intensamente che alla fine ho dovuto allontanarmi per qualche anno. Il "virus" della fotografia mi stava consumando completamente. Quando sono tornato, il mio rapporto con la fotografia era cambiato del tutto.

Come descriveresti il tuo stile fotografico? 

In passato ho creato molte immagini commerciali e ho lavorato anche nella fotografia documentaristica. Oggi sono tornato all'essenza. Non fotografo più i soggetti: fotografo ciò che rimane dopo che l'incontro è terminato.

Che soggetti ritrai? 

Mi sono gradualmente allontanato dalla parola "soggetto". Per me, fotografare un soggetto suggerisce spesso di rappresentare qualcosa nel modo più realistico possibile. Certamente fotografo ancora alberi, paesaggi, ombre, strutture, acqua e persone, ma preferisco pensare al mio lavoro come alla fotografia di uno stato o di una risonanza che emerge tra l'osservatore e l'osservato. A volte questa rappresentazione è realistica, a volte diventa fortemente astratta.

Quali storie vuoi raccontare?

Mi interessano le storie che si stanno ancora svolgendo. L'inizio e la fine raramente mi affascinano: sono attratto dallo stato intermedio, dal momento in cui qualcosa non ha ancora preso completamente forma. Lo paragono spesso a salire in bicicletta senza iniziare effettivamente a pedalare: quel momento mi interessa molto più dell'azione stessa.

Che attrezzatura usi? 

Utilizzo una Pentax K10D, una Rolleiflex TLR e una Fujifilm GFX, insieme a una piccola collezione di vecchie lenti fisse. Per me la fotocamera è semplicemente un dispositivo di registrazione. L'immagine si crea nella mente molto prima che venga premuto lo scatto. La prestazione è di gran lunga più importante dell'attrezzatura.

Quali fotografi hanno influenzato il tuo stile? 

Andrej Tarkovskij, Hiroshi Sugimoto, Olga Karlovac, Mario Giacomelli, Fan Ho, Stephan Vanfleteren. Oltre alla fotografia, Carl Jung e gli insegnamenti Zen tradizionalmente attribuiti a Bodhidharma hanno influenzato profondamente il mio modo di percepire sia la vita che la creazione delle immagini.

Quale progetto vorresti presentare? 

Enter the Residue (Entrare nel residuo). Questo progetto esplora ciò che rimane dopo un incontro tra diverse forme di energia: la luce che passa attraverso le foglie, l'acqua trasformata dalla luce, le nuvole che cambiano costantemente forma. Le fotografie non hanno l'obiettivo di documentare la realtà; sono tracce, sono il residuo di un incontro.